外行人的奇幻觀影室

還沒有看這部片的時候,我是很期待的畢竟把哥德文化特別提取出來而不是沾邊的電影比較少又或者能像提姆波頓把哥德精神隱藏在商業電影裡頭的人更是寥寥無幾,可惜的是看完後我只能說大失所望,我相信原作是寫得不錯的畢竟故事的大方向確實有捕捉到哥德文化的精神所在而不是拍出浮上主流後改裝得四不像的偽哥德，可惜的是導演似乎沒有掌握到哥德文化的精隨，把一部具有美感的電影拍成了簡陋而無趣的電影。
先從攝影來說好了，哥德文化的影像呈現主要由黑白構成毫無血色的慘白與暗不見光的黑交織成低飽和度的世界，而GOTH斷掌事件拍出了大量的白可是確是過曝而刺眼的白，這樣的白不符合哥德精神更失去了畫面的美感更不用說影像上讓人感到的不適。
另外從故事來說我對GOTH斷掌事件的整體大綱是喜歡的，死亡對哥德文化來說佔了很大的一部分，拿提姆波頓來說從他電影裡頭與死亡與哥德最大的連結就是戀屍，提姆波頓從早期偶動畫文森特、小小科學怪人到後期的地獄新娘都隱藏了很濃厚的戀屍情節只是提姆波頓巧妙的將它拍成大眾能夠喜歡的樣子，但是戀屍、殭屍甚至是吸血鬼狼人這類題材都只是死亡具體化的樣子也是最直接讓觀眾能夠感受衝擊的影像。
實際上死亡是不可捉摸的一種負面氛圍，這成為GOTH斷掌事件難拍的原因，哥德是一種對死亡迷戀的次文化，特別的是哥德文化雖然崇尚死亡但它卻與一般與死亡相連結的文化不同，哥德兩個字代表著悲劇也瀰漫著一股內斂而神祕的藝術氣息，於是GOTH斷掌事件的男女主角對死亡案件有著不可理解的著迷，收藏著與死亡題材相關的藝術品，閱讀著與死亡有關的文學，也讓死亡事件的屍體呈現藝術品般的擺設狀況，這些細節確實都是哥德文化的一部分但卻不是最迷人的地方。
對我來說哥德之美是悲劇之美一種糾結、椎心卻又讓人無法自拔的美，簡單來說GOTH斷掌事件拍出了哥德文化的表卻沒有充足的內涵讓觀眾細細品藏與回味，於是觀眾只能不斷在男女主角大量卻沒有深度的對談還有摸不著頭緒以及大量過曝的影像中度過漫長的時光。

電影從細胞一分為二、 二分為四的影像揭開了序幕，生命也從這裡開啟了演進的旅程，影像也隨之進入了第一個人類的階段，電影設定第一個人類名為露西，由露西帶領地球生命前往前所未見的新領域，那麼當地球生命發生第二次躍進那麼該生命會以甚麼樣貌展現?《露西》用一種假設性影像概念提出這樣一個難以解答的問題，當這樣一個抽象深澳的概念進入觀眾腦中後產生了甚麼樣的變化我認為這正是《露西》迷人有趣的地方。
雖然《露西》寫到很多科學方面的東西但是主論述卻是一種哲學思辨，如同我上一段所說《露西》試圖用一個假設概念提出問題， 而這概念融合了許多科學與哲學理論並且真假虛實混合、達到戲劇創作的目的。雖然虛實混合看似雜亂無章，但我認為整個編劇還是有邏輯可言，我認為全片的的解讀關鍵幾乎都在摩根費理曼所飾演的教授身上，但是因為電影節奏太快讓摩根費理曼的理論一閃即逝所以觀眾容易跟不上導致無法注意，對我來說摩根的假設理論是露西這個概念的導讀，雖然在電影裡摩根才是提出概念者，露西是概念成真，不過對現實來說，電影《露西》才是那個概念。然而跳脫人的方式思考我認為是電影《露西》的一個關鍵，摩根談話中也提到自人類站上動物頂端後一直強調其個體獨特性，可是就生命的總體來談這樣的獨特性是不存在的，也因為過度強調獨特性導致人類以狹隘的眼窺視宇宙，故步自封限制了前進的可能性，而上述觀點跟摩根認為人類如果要進化再進化，必須大膽想像提出概念是相吻合的。
電影《露西》不斷從摩根費理曼口中丟出相當值得思考的問題，摩根費理曼曾在談話中提出度量衡的觀念是虛幻的這個論點其實很有意思，我們甚至可以說存在這個概念是人類試圖簡化量化世界的一種產物，人類發明了度量衡企圖量化世界還有宇宙，但是度量衡這個概念到底實不實際就很值得思考，人類為了溝通簡化因此制定了度量衡用數學理解世界，但是同時數學也定義出了無限大， 那麼究竟甚麼是無限大？如果把無限大丟進運算器運算那麼運算器會當機，如果一件事物是無限大、大到無法測量，那麼所謂度量衡的單位是否還有意義？於是摩根費理曼告訴觀眾：「人類企圖簡化量化宇宙，卻忘了宇宙或許本來就是深不可測。」
另外我曾說過《露西》看似雜亂無章、卻還是有邏輯可言的觀點來自於韓國黑道這條看似可有可無的劇情，韓國黑道這條線看起來只是為了反派的戲劇效果而存在，但在露西為了追求知識延續而起身的同時，黑道為了利益進而展開追逐的安排看起來其實格外諷刺，也因為人性上的缺陷導致CPH4成為黑道追求利益的毒品；換個方向思考，如果CPH4到了追求其他存在目的的人身上是否也能成為造福生命的藥物呢?這樣的安排除了表達生命的格局出現了變化外，也呼應了摩根費理曼演講所說海豚與人類求存在以及求擁有的差異。
最後當無限大的問題出現後電影《露西》再度丟出了另一個延伸思考，也是《露西》最後結尾想要討論的問題，電影一開始一個細胞分裂成了兩個隨後鏡頭帶到了第一個人類露西，之後生命不斷演化，而我們了看見了現代的露西因為CPH4造成細胞不斷分裂增生以致於他能使用超乎常人的腦力，那麼當露西的細胞分裂到無窮盡後會發生甚麼事?換句話說當一個生命成為無窮大那麼這樣的生命體會以甚麼樣的型態出現?

諾亞接受了上帝的引導建造了方舟 使得諾亞以及他的家人與陸地上的生物能夠躲避上帝用以懲罰惡人的末日洪水，這是在記載於聖經之中的故事，然而末日之後將碩果僅存的人類，聚集在一艘搭載永動機的列車上會發生甚麼事?也就成了末日列車想要表現的重點之一。

近年大銀幕上不斷出現批判貧富差距以及階級制度的電影作品，從鐘點戰、顛倒世界、極樂世界以及飢餓遊戲，電影公司不斷以新的包裝去銷售同樣的產品，但是卻始終沒有出現一部脈絡清晰設定完整的好劇本出現，鐘點戰時間設定極具新意可惜男女主角化身成鴛鴦大盜的戲碼缺乏看頭，而顛倒世界設定又過於極端，雖然在視覺畫面上呈現出新的風味可惜的是後段劇情幾乎演變成純愛故事，少了貧富差距設定應有的批判性，而在末日列車之前極樂世界可以算是此類型電影的龍頭當之無愧，雖然在細節上設定稍嫌不足導致觀眾容易認為劇情編寫上有邏輯瑕疵，但整體上依然是完整度批判性都很足夠的一部電影作品，至於飢餓遊戲，雖然此系列作品也是該類型電影的傑作，但因為它是三部曲，有非常多的篇幅可以闡述自己的理念，所以拿來跟其他電影相比有失公允，加上兩部電影其實有一些相同的概念，我就不再贅述了。

描述貧富差距或是階級對立甚至是對社會制度做出批判的作品，往往會陷入一個窘境就是結尾，也就是此類型電影必須提出一個建設性的建議當做是收尾，不然前面的批判也就淪為紙上談兵，只是空談，但實際的情況，卻是這個問題沒有答案，更直接一點的說這些問題歷史上全部發生過，而人們也認為自己找到了解救方式實際上卻是換湯不換藥，治了標卻不治本，我們只是緩和了疾病的疼痛感，但是病灶卻依直沒有痊癒。

南韓導演奉俊昊所執導的末日列車改變了觀眾對於此類型電影的既定印象甚至拍出了超出以往的故事格局，我在文章首段曾說末日之後人們在列車上所發展的故事是末日列車想要表現的重點之一，我也可以說貧富差距跟階級對立也只是末日列車故事想表達的冰山一角。

末日列車的故事框架是末日之後的文明重建，但內部結構卻像是玩具設計師所精心設計的機關玩具，充滿令觀眾玩味與一再挖掘的驚喜，一輛列車從不同角度去把玩欣賞卻有了截然不同的樣貌。末日列車描述了人類經歷浩劫重建文明並發展出新歷史的過程，但我們卻在新寫下的歷史之中看見許多舊歷史的影子，印度哲學家也是心靈導師的J.krishnamurti曾說:「以世界現在的苦難，衝突，破壞暴行，侵略來說，人類一如以往，暴力侵略，貪婪競爭，並以此標準建立社會。」，如J.krishnamurti所說人性有一種缺陷是大家視而不見的，也因為人性的暗面導致人類的文明跟歷史陷入了一種難以掙脫的困境，這樣的困境使得人們不斷遭受苦難，這樣的苦難與困境就好像以一年為週期繞行世界一周的末日列車一般，不斷循環沒有盡頭。

我們都經歷過在銀幕上看著道士身穿道袍手持桃木劍趕屍捉鬼的電影時代，而隨著某些熟悉的面孔一一消失，我們才意會到那個陪伴我們的時代已經過去，直到銀幕再度響起了鬼新娘的配樂，那些昔日的回憶才又隨著影像回到了觀眾眼前。 

「有人說電影世界很荒謬，原來，現實世界比電影更荒謬。」錢小豪這句台詞道出了一位過氣演員的心酸也道盡了世間的人情冷暖，這句對白替電影殭屍替下了最好的註解也替這個悲傷的故事揭開了序幕。 

對我來說殭屍是部很有感情卻又很悲傷的電影，感情來自於觀眾對舊時代的懷念一方面也來自於殭屍對於家人的描繪；小白問媽媽阿鳳：「我們什麼時候才能回家?」 阿鳳回答:「只要我們兩個永遠在一起，到處都是家。」簡單的問答卻表現出家不是個地點而是家人心靈上的寄託跟依靠，梅姨與冬叔的回憶以及煉屍的橋段更是展現出老夫老妻互相扶持、難以割捨分離的深厚情感，這樣的片段實在很難讓人不鼻酸不動容。 

至於悲傷：電影開頭，錢小豪過氣演員的自白，或是當導演使用倒敘的方式讓角色下場開門見山的呈現觀眾眼前時，就已經注定殭屍是悲劇色彩濃厚的一部電影，然而殭屍的悲來自於兩個地方一來是出自於人性中的灰，人性向來不是像是非題或是黑與白那樣二分那樣簡單，而電影殭屍裡角色的人性表現就如同其低飽和灰暗詭譎的影像風格一般充滿著灰色地帶，錢小豪、梅姨跟阿九都因為現實生活中的挫折與人生的瓶頸做出了害人或是害己的決定，以致於煉屍最後也讓自己入了魔成了屍。 

而另一個部分則是一種時代沒落的感概，對錢小豪來說殭屍也算是一部自傳式電影，電影劇本巧妙的穿插真實的人生經厲與改編的戲劇故事並且藉由錢小豪過氣演員的身分象徵了港產殭屍電影時代的逝去，於是，對過去的這些經典緬懷致敬自然成了電影殭屍的一大重點 ，看著以前電影裡的熟面孔再度出現，電影又響起了鬼新娘的配樂還有道士、符紙、糯米、桃木劍以及朱砂線這些在早期殭屍電影裡的熟悉元素，都快速帶我們返回那美好的童年時光，回憶總是美好的，可惜的是觀眾終究要回歸現實；「到了我們這代，不要說道士，殭屍都沒有了。」陳友對錢小豪的這番話說出了一個時代沒落的悲哀，也硬生生將觀眾拉回了現實，而電影結局的安排其實也替一個時代寫下了一個悲傷卻完整的句點。 

所謂的社會即人類群體的聚合體,而學校雖然是教育單位,但也可以視為社會的等比例縮小模型,社會與校園內存在的個體數相距甚遠,但其中人與人之間的互動與運作方式卻相去不遠。聽說桐島要退社正是利用校園這座等比例縮小模型帶觀眾窺視人與人之間相互牽引、排斥、對立卻又不得不共存於社會的複雜情形。

聽說桐島退社了的敘事方式很特別，他用了同一時空不同視角的方式，也就是同一個天同一事件卻讓不同角色有了各自表述的機會在讓不同的視角因為桐島而環環相扣重新串連了起來，承同我上個段落提到人與人之間相互牽引、排斥、對立卻又不得不共存於社會，社會是個抽象的概念而校園則是個有形的容器它容納著不同的學生、不同的族群、不同的想法、不同的價值觀念，不同造成差異，差異造成歧見，有了歧見自然有了分支，分支的個數差異成就了主流與非主流的差別，主流代表優勢非主流代表弱勢，電影聽說桐島要退社裡頭桐島這個角色成了兩者的分隔線。

CULT電影本身就代表著非主流的聲音亦或是對於主流意識的一種諷刺或是抗爭的一種手段，聽說桐島退社了提到了喬治羅密歐導演的僵屍片還有塚本晉也導演的鐵男，我們可以看見電影中電影社社長前田所做的事情，對於老師(權力者)介入創作的無視以及陽台上對於追逐著桐島影子人們的怒吼不都是對於主流價值的反抗行為嗎?而電影後段陽台上巧妙的戲中戲也滿足的電影社社長(導演)抗爭的慾望 可悲的是面對主流的洪流非主流的抗爭向來以卵擊石或是需要經過時間的考驗才能証實其價值抗爭者往往都是失敗落幕，沒有勇氣抗爭的人們則成了像是那樣隱藏起非主流的骨批著主流的衣攀附著有利的一方生存下去。

關於愛情聽說桐島退社了裡頭的愛情，有人只是單戀卻單純而美好，有人的戀情卻像是利益交換各取所需，有的曖昧不清，但是這樣的曖昧氛圍卻貫穿了整部電影。東原霞與前田涼也兩人看似互相欣賞那種清新的曖昧情素為聽說桐島退社了提供了不少觀影樂趣，也讓觀眾在象徵現實殘酷的校園裡有了些許的希望，直到答案揭曉觀眾才發現這不過是聽說桐島退社了所埋藏的另一個尖銳諷刺，而這諷刺毀滅了前田涼也的青春愛情也刺傷了觀眾對愛情的憧憬。

聽說桐島退社了裡頭將桐島這位角色設定成為影子，電影至終都沒見過桐島出現這樣的編寫卻成為了電影裡最絕妙的安排，桐島代表著一種菁英價值，聽說桐島退社了電影裡廣泛的將人區分為四種人；一種是擁有先天優勢並將自己的天賦妥善發揮過著人人稱羨的生活或是擁有天賦卻妄想著更加美好的願景而忽略自己天賦甚至遺忘自己價值的人另一種是沒有優勢但是期待能攀附精英前進的人，最後一種則是聽說桐島退社了這部電影的核心價值；他們雖然先天不足但是擁有明確目標默默努力生活過得很充實的人。

社會是一種由許多個體所集合而成的群體生活方式，他代表的可能是一種互相扶持和平融洽的生活型態，也可能成為一種極端惡劣的群體暴力，飢餓遊戲在故事裡是電影中是藉由讓十二區的居民自相殘殺以展現權力重建國家威權的一種方式。

那麼，飢餓遊戲究竟代表著甚麼樣的意義?我認為飢餓遊戲本身就代表著一種社會化過程的象徵，也是作者對階級(威權)的強力抨擊，上面我曾經說過社會可能是一種互助的群居方式，但我卻認為他在本質上就代表著一定程度的暴力還有壓迫，社會是一種集體意識，它無法包容與群體意見相斥的自由意志，當青少年步入社會後，自我意志即會被集體意識影響進而逐漸成為適合在社會中生存的人，好比飢餓遊戲中男女主角為了生存必須開始學會算計以及虛偽，又或著你可能成為像男女主角的導師黑密契那樣的人物，在集體意識與自我意志的夾縫中苟延慘喘。

飢餓遊戲中十二區的參賽者各代表著不同青少年進行社會化的反應，二區的卡圖明顯是受到區文化影響以融入社會體制為榮的代表人物，一區的閃爍則像是必須依賴於男性底下生存的人物代表，小芸絕對是飢餓遊戲中最殘酷也最讓人不捨的角色，他比較像是心智稚嫩卻因為環境影響必須提早進入社會學習生存的角色代表，五區的狐狸臉我覺得挺可惜的，電影對她並未多加著墨，她對未來沒有積極的行為，但她也必須生存於是成為了小偷之類的角色，而代表著十二區的男女主角是飢餓遊戲黑暗汙泥裡的光明與希望，他們偽裝著並伺機而動，是等待著對體制做出反擊的革命者。 

飢餓遊戲構築起的是一個充斥著物欲、暴力、欺壓還有威權，反烏托邦式的社會體制，其實不少電影都架構出反烏托邦式的社會氛圍，倩影刺客、重裝任務、甚至最近的鐘點戰都有些這樣的意味存在，而終點戰更是近期題材新穎的一部科幻電影，可惜後來著墨於男女主角的小情小愛不免讓人覺得虎頭蛇尾，相較之下飢餓遊戲裡頭男女主角表面看似真誠的愛情裡卻混雜著算計與謀略的味道，卻也讓觀眾感到真實而悲哀。

飢餓遊戲中的社會是階級化相當明顯的，十二個區數字越後面代表越偏遠其階級也越低，階級是人類社會演化極力想退去的，畢竟有階級就有傲慢就容易有不公平與遭受欺壓的低層人物，鐘點戰與飢餓遊戲都意有所指的提到，上層的權力者靠的是底層人民的犧牲才能維持整個階級體制的運作，鐘點戰在結尾明確點名唯有打破階級才能使整個體制崩毀，與鐘點戰相比飢餓遊戲卻沒有那樣來的樂觀，女主角所做的行為比較像是照著集體的遊戲規則，卻試著讓自己留下些許尊嚴並提醒上位者我們有能力反擊。

超能失控電影預告給我帶來了一絲絲的驚奇，不是每個人有了超能力都想成為英雄,背負起本不屬於自己的額外責任，人性說複雜不很複雜說簡單也不是那麼簡單，人性部分依循著一定的反應公式，卻也常常起了異常激烈的化學變化,預告中安德魯把車推下道路那一幕，讓我對電影有了期待，期待起看見一部不同的超能力電影。

我們可以從安德魯的形象中窺見許多現實生活中人們的影子，他們可能個性內向不擅常人際關係，也可能個性善良卻老受到不公平的對待與異樣眼光，好比魔女嘉莉裡頭的嘉莉，因母親的影響造成嘉莉人格發展的不健全和遭受同學的嘲笑霸凌，甚至觀眾們都能在情緒引爆的過程中發現兩部電影的相似之處，所以嚴格來說安德魯這樣由長期遭受欺壓的弱勢轉為優勢進而迷失以致於自我毀滅的角色心態在電影裡頭其實相當常見，那麼超能失控如何能帶給觀眾新奇的感覺?

我想手持式攝影機也就是偽紀錄片的拍攝方式除了為電影的臨場感大大的加了分之外，電影裡許多鏡頭的規劃與發想都帶給了影迷們耳目一新的觀影體驗，手持式攝影機對電影是一種拍攝方式，其實也代表著安德魯的視角。

對安德魯來說攝影機是他對世界築起的一道防線，也是他選擇從攝影機以抽離的眼光觀看世界的方式，但是對於這樣的人來說你不想招惹麻煩麻煩卻總是不斷招惹你，你用善意的眼光看待世界，世界卻帶著惡意的看著你，於是當安德魯拿著手持式攝影機記錄的生活中的一切時，卻遭受啦啦隊隊員的質疑認為安德魯式在拍攝啦啦隊隊員們，或是在拍攝派對畫面卻遭人惡言相向甚至拳打腳踢，這樣的安排讓我想起了一部韓國恐怖電影深夜的FM其中有個影迷角色，同樣塑造為內向宅男且對女主角異常迷戀，他對於女主角的生活細節異常了解或是節目內容也過耳不忘，這樣的角色形象對一般大眾來說絕對是怪異而恐怖的，隨著電影發展觀眾卻能發現他的善良還有對女主角的迷戀反而對追兇的過程有了幫助，這樣的安排其實很有趣，也直接點名人確實是以貌取人的，很多人雖然口頭上不承認但事實就是如此，人在對於第一印像好壞的取決就是外貌。

安德魯其實也代表著社會許多弱勢族群們，電影超能失控有層次階段性的逐步引爆安德魯心中的受環境壓迫壓抑多時的憤怒炸彈，說來諷刺的是讓安德魯跨出真正犯罪界線的，確是對於重病母親的孝心，是甚麼樣的社會體制，當弱勢家庭支付不出龐大醫藥金的情況下，沒有人生出援手，而讓對母親的愛成了犯罪動機，或許我們也曾經在經意與不經意之中成了這樣的犯罪推手只是我們不自覺罷了，人類是群居生物必須相互扶持，但曾幾何時我們開始變得冷漠且互不關心這點相當值得我們思考與反省。

溫室效應造成的氣候異常,讓人類開始注重環保議題，綠能科技則是近年來人類致力開發的一種技術，而這次新北市政府環保局將於公路人員訓練所舉辦綠能新幸福電動機車車展，正是綠能產業中的一環，未來電動車絕對會是人類交通工具的新趨勢，有興趣想要多了解電動車的民眾可以前往參觀!

活動時間：2011/10/30
14:00~17:00
活動地點：公路人員訓練所（鄰近板橋監理站、環球購物中心）
主辦單位：新北市政府

猩球崛起是1968年浩劫重生(Planet of the Apes)系列電影的前傳，此系列一共有五集分別是浩劫餘生Planet of the Apes、Beneath the Planet of the Apes(1970)、Escape from the Planet of the Apes (1971)、Conquest of the Planet of the Apes (1972)、Battle for the Planet of the Apes (1973)而2001年提姆波頓執導的決戰猩球則是浩劫餘生(Planet of the Apes)的翻拍，但在當時並未獲得好評，直到2011年此系列才又以前傳的方式與觀眾見面。

科學帶來了人類文明的快速發展，基於研究需要人類不斷將動物當作實驗體或是基因改良的科學實驗，2009年由導演Vincenzo Natali所拍攝的科幻驚悚片人工進化(Splice)劇本靈感便來自人獸胚胎實驗，而猩球崛起劇情也圍繞在動物實驗、基因工程相關題材上，兩部電影明顯都對科學發展與道德爭議如何取得平衡提出了質疑，雖然剛開始猩球崛起確實有人工進化的影子存在，但它並不像人工進化後段劇情發展模糊了電影本身探討的主題也讓觀眾產生不舒服的觀感，相較之下猩球崛起顯得一氣呵成，除了科學與道德相關問題外劇情發展更帶出許多發人省思的問題。

2001年翻拍的決戰猩球的故事是以人類的角度切入，描繪出一個主僕關係互換由人猿統治人類的星球，猩球崛起則由猩猩的角度帶觀眾觀看他們眼中被人類所統治的世界藉由這樣的劇本編寫達到換位思考的反思效果。

我曾在人工進化介紹文末段預期人工進化會讓觀眾對卓恩這人類強行創造下的悲劇物種有著感同身受的情愫，可惜的是人工進化依然把卓恩當作怪物來操作，不要說觀眾了連電影裡的男女主角對卓恩都是帶以恐懼還有未知甚至是掌控的心態來看待自己的創造物，這點猩球崛起處理方式便相當令人欣賞，猩球崛起讓猩猩凱薩從小與主角建立起深厚的友誼也讓觀眾對一直看著他成長的猩猩凱薩產生認同感與情誼。

觀眾對凱薩的認同感除了歸功於動態捕捉技術的進步之外另外一大功臣就是安迪瑟克斯，先進的動態捕捉技術能過捕捉到更多細微的演員表情，但是如果沒有像安迪瑟克斯這麼神奇的一位演員，那麼凱薩這位角色的塑造便不可能成功，猩球崛起之所以成功的原因除了加入對基因工程探討的深度另一點便是觀眾對猩猩革命的認同度，安迪瑟克斯細膩的臉部表情、微妙微俏的猿類肢體語言還有舉手投足間都釋放強烈情感訊息的精湛演技，完全把凱薩的領導氣質還有心境轉變發揮到淋漓盡致的地步，也因為如此觀眾開始對角色投入感情以及思考角色處境。

JK羅琳成功以哈利波特帶起成一股魔法旋風，而這股旋風不僅讓兒童們為之瘋狂這股旋風更吹進了許多青少年與成人的心，哈利波特系列作是一部少數能陪伴讀者從兒童成長為青少年或是從青少年成為成人的奇幻小說，哈利波特成功之處在於作者生動的寫作方式與其創造力，憑藉著豐富的想像JK羅琳詳盡構思魔法社會特有的文化、階級、體制、歷史，使其與現實社會共存並隱蔽在世界的某一角落，神秘而美好。

記得部落格剛開張時，我就因為混血王子的背叛批評過David Yates這位導演，直到哈利波特死神的聖物上才對這位導演有些許的改觀，我相信對許多觀眾來說哈利波特是不可或缺童年的共同回憶，當年的讀者群許多都早已擺脫童年的稚氣往人生的另一階段邁進，也因為如此許多觀眾包括我自己對哈利波特其實都有著一種特殊情感。

嚴格來說看完期待十年的哈利波特:死神的聖物(下)不可能沒有感動，但這份感動與電影好壞無關而是出自於上述，那種讀者對哈利波特的特殊情感，一部持續了十年的系列電影對觀眾來說夾雜了太多回憶，因為這樣複雜的情緒也讓我異常期待哈利波特能夠完美的結束，在觀眾心中以美好的身影離去。

可惜事與願違，David Yates在哈利波特:死神的聖物(上)緊湊流暢的敘事節奏在下集完全不復見，哈利波特:死神的聖物(上下)兩集確實不好拍，原作裡哈利波特要一邊推理解謎尋找並摧毀分靈體，一方面作者利用鄧不利多負面消息的釋出讓觀眾探索起這位魔法世界偉大巫師不為人知的人生傳記也讓哈利對鄧不利多的信任備受考驗，還有當常久以來扮演哈利波特良師角色的鄧不利多死去後，哈利必須獨自扛下責任的成長以及心境變化，簡單來說哈利波特:死神的聖物(上下)對讀者來說算是相當不錯的收尾，故事也有著精心的佈局，大致上電影哈利波特死神的聖物(下)保留了故事的主架構而刪去了許多原作裡的小細節，畢竟電影有時間限制要把原著小說如此厚的頁數改編成電影就必須經過適度的內容刪減，於是導演必須更加精確的掌控整個畫面還有情境，才能讓觀眾在缺乏細節鋪陳的情況下快速進入電影裡頭的情緒。

對我來說David Yates在這方面的表現並沒有很好，從三人逃出古靈閣之後，電影節奏明顯快了起來，電影快速緊湊的剪輯在我看來卻成為電影哈利波特:死神的聖物(下)最大的問題，我在上一段曾經提到哈利波特:死神的聖物(下)在劇情細節上已經做了大幅度的刪減，此集主要的劇情還有心境變化成長幾乎都做足在主角哈利身上，其他角色的部分根本少得可憐。

自古以來老師的任務即是傳道、授業、解惑，也就是說老師除了傳授課本知識外還有著教導學生人生道理以及解決學生心中疑惑的職責，老師在學生心目中一直都扮演著相當重要的角色，遇到好的老師可以傳授你知識，成為學生人生道路上的明燈，遇到品質較差的老師則可能在學生心靈造成難以忘懷的傷害或是使其走上扭曲的人生道路。

電影告白故事圍繞著老師與學生，走的確不是此類電影感動勵志催淚的傳統路線，告白用一位老師為子復仇的故事重新審視現今社會環境以及家庭教育帶給整個教育體制的困境並從森口悠子老師口中道出現代教師的無奈。

我曾質疑過告白角色年齡層設定的合理性，但當我仔細思考後,這樣的設定有其道裡，如同電影一開頭森口悠子老師所說，這個時候的孩子們正經歷青春期的變化，也就是說他們一方面要適應身體的巨大改變，一方面更要去承受叛逆期心靈的躁動以及那莫名的憤怒，換個方式說這個階段的孩子有著相當不穩定的心靈,他們不安、迷惘，思維單純而且衝動，一個不小心就容易鑄下難以挽回的大錯。

凡事都有其反作用力，人的心理亦同，過度的壓抑隨之而來的自然是真實自我的叛逆與反抗，電影裡的美月就是這樣的一個角色，表面上看來美月是班級裡的乖乖牌，但我們卻在美月私底下的裝扮還有對殺人犯露娜希的崇拜，去窺探表面上看似平靜的水面，底下那黑暗而洶湧的波動又或著那看似稚氣而單純的臉龐下，卻迷惑起生命的價值、存在的意義以及質疑起生命的重要性。

打從我了解驚奇漫畫雷神的故事大綱之後，我就對這部電影有了無比得期待，有理解或是看過雷神索爾漫畫的人，就會知道雷神索爾是部試圖把神話與超能英雄做結合的漫畫，它在故事題材上本身就有著一定程度的新意還有獨特的世界觀，雖然預告中出現索爾丟小槌的畫面曾經讓我一度燃燒的熱血稍微的降溫，但是這樣的故事設定實在是很難不挑起我這奇幻電影愛好者的好奇心。

當我進入電影院看完雷神索爾後，我發現雷神索爾的表現完全是超出我意料之外的，如果是英雄電影迷就不難發現驚奇電影雖然一再將旗下的英雄角色拍成電影來為復仇者聯盟(The Avengers)裡頭那龐大的驚奇超人世界觀來做鋪陳，但事實上自從鋼鐵人之後驚奇電影所拍攝的電影作品如鋼鐵人2、無敵浩克都很難讓觀眾有眼睛為之一亮的感覺，這樣一來故事看似有新意的雷神索爾自然成為了希望的寄託。

話雖如此在創意如此飽和的時代，一部電影要再提供觀眾某種程度以上的震撼確實有其難度，現在大部分電影玩的大多是舊瓶新裝或是把許多舊有想法重新組合編排藉此創造出新的創意，但就像我說的這樣的做法能夠帶給觀眾的新鮮感相當有限，然而雷神索爾確讓我看到了新的可能，這樣的可能不在劇情的編寫，而是在於整部電影的思維上。

劇情上雷神索爾確實沒能帶給觀眾新意，它依然在玩著近年來很流行超級英雄的自我省思，一開始這麼做確實引起了觀眾的興趣，但之後隨之而來的跟風，早就讓這樣的橋段成為英雄電影展現深度的公式，如果英雄的轉變能夠描寫得深刻並且感動觀眾的心，那麼這樣的電影依然是一部好的作品，偏偏雷神索爾沒能在這方面達到這樣的標準，雷神索爾跟鋼鐵人一樣，讓觀眾檢視著英雄的人格缺陷，東尼史塔克有著遊戲人間玩世不恭的輕浮心態，索爾則是有勇無謀自大狂妄的好戰份子，也因為這份自大為停戰已久的神界帶來了危機以至於索爾遭受父王奧汀放逐到人界。

神與凡人的強烈反差，本該是深刻展現被奪去神力的索爾必須用凡人的肉體重新體驗生活，從中領悟自己的過錯的絕佳機會，可惜的是雷神索爾並沒有在這多加著墨，鋼鐵人內心轉折雖稱不上深刻但也絕不是輕描淡寫，而是適度的點在觀眾心理適當的位置，讓觀眾感受到史塔克由懊悔轉為憤怒進而想改變現狀把自己的才能放到對的位置上的心意。